Museo del Prado

Seguro que todos habéis oído a hablar del Museo del Prado, o al menos os sonará que es un museo que hay en Madrid...pues para mí, no es solo eso, es un sueño, llevo muchísimos años queriendo ir, pero nunca he tenido la oportunidad....Os voy a hablar un poco de ese magnífico lugar para que lo conozcáis. 

El Museo del Prado es uno de los más importantes museos del mundo, donde se recogen muchísimas obras conocidas a lo largo de la historia. Su antiguo director, Alfonso E.Pérez Sánchez, llegó a afirmar acerca del museo: "representa a los ojos del mundo lo más significativo de nuestra cultura y lo más brillante y perdurable de nuestra historia", y estoy totalmente de acuerdo con él. Algo que atrae a muchísimos turistas a visitarlo es la presencia de obras de grandes pintores como Velázquez, Goya, El Greco, Rubens, Tiziano, El Bosco, Murillo, Zurbarán...y muchos más. Por lo tanto, se podría decir que se exponen pinturas de todos los estilos y épocas, consiguiendo que sea uno de los museos con mayor concentración de obras maestras (aproximadamente 7600 pinturas, 1000 esculturas, 4800 estampas y 8200 dibujos); cuenta con tantas obras que es imposible ver todo el museo en un día...por ello se hacen diferentes tiempos para las visitas (cosa que yo no sabía y que me acabo de enterar buscando algo más de información para contaros), se pueden hacer visitas de una hora, de dos horas, o de tres horas, con diferentes recorridos para ver, dependiendo del tiempo del que disponga cada persona. Cabe decir que hasta el mismo edificio que recoge dicho museo es una obra maestra también, desde mi punto de vista, realizada por Juan de Villanueva en 1785, por orden de Carlos III, para el Gabinete de Ciencias Naturales; pero fue el nieto de Carlos III, es decir, Fernando VII quien decidió que la construcción fuera destinada para un Real Museo de Pinturas y Escultura (llamándose posteriormente Museo del Prado). 

Para mucha gente, el Museo del Prado, es eso, simplemente un museo con muchos cuadros y esculturas, sin darse cuenta de lo que realmente es, sin saber apreciar los afortunados que son por ser una de las personas que pueden ver la historia del arte y observar su grandeza. Es uno de los lugares donde se puede disfrutar de una gran amplia colección de obras de arte, permitiéndote observar de cerca cómo es realmente un cuadro, por ejemplo; una de las grandes obras que se puede disfrutar en el museo y que fijo que todos conocéis es "Las Meninas" de Velázquez, no he tenido oportunidad de observarla de cerca, pero una vez, un profesor que tuve de Dibujo Artístico en Bachillerato, me comentó que merecía la pena poder contemplarla de cerca y comprobar la gran técnica que tenía Velázquez, ver cómo acumulaba y acumulaba pintura creando esos "pegotes" de pintura, dando ese volumen y profundidad a la obra, impresionante (o al menos eso dicen).

Ojalá este verano tuviese la ocasión de ir, se haría realidad uno de mis mayores sueños.

El Op Art y Bridget Riley

Sinceramente, nunca había oído nada sobre el Op Art, ni siquiera sabía que eso existía. Viendo los apuntes de clase, vi ese término, y la verdad, me llamó muchísimo la atención, así que decidí ponerme a buscar algo de información sobre eso del Op Art. Os hablaré un poco de él para que lo conozcáis también.

El Op Art es un movimiento artístico que comenzó hacia 1950 en Estados Unidos principalmente, llegando a tener una gran importancia hacia los años 70. Proviene del término "optical art" (arte óptico), haciendo referencia a ese uso de las "ilusiones ópticas". Una de sus principales finalidades es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro, pero sin existir un movimiento real, siendo obras estáticas, por así decirlo; por lo tanto, resumiendo, cabe decir que el Op Art se centra principalmente en la creación de grandes efectos visuales, utilizando, gran medida, formas geométricas y la repetición de éstas, dándole muchísima relevancia también al uso del color, siendo habitualmente colores planos, pero de una manera determinada, con un plan preestablecido, para conseguir como resultado ese efecto óptico del que vengo hablando. El Op Art se caracterizará también por una total ausencia de figuración, siendo un arte abstracto, muchas veces relacionado con la abstracción geométrica sin ninguna duda, con la clara intención de engañar al ojo humano, mediante esas ilusiones ópticas comentadas. 

Creo que es importante destacar, desde mi punto de vista, la gran significación del espectador en este movimiento pictórico, las obras de dicho arte van a interactuar en todo momento con el espectador, a través de esos efectos ópticos. 
Algunos de más importantes representantes del Op Art son: Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Bridget Riley, Kenneth Noland, Lawrence Poons... y muchos más. Me gustaría hablaros de Bridget Riley (imagen que vemos al comienzo), que, centrándome en mi gusto personal, creo que sus obras no defraudan a nadie, y que además, visualizándolas podemos comprender las diferentes características comentadas del Op Art, ya que, como ya he dicho muchas veces, creo que la mejor forma de comprender y entender algo es viéndolo y llevándolo a la práctica...

Se conoce a Bridget Riley como una de las pioneras de este estilo artístico, que hizo hincapié y le dio mucha importancia a la idea de que el espectador se convirtiera en un espectador activo, es decir, que fuese uno de los principales participantes de la obra, cosa que ya he dicho antes que fue uno de los aspectos fundamentales del Op Art. Bridget Riley destacaría también, no solo por el uso de formas geométricas, como cuadrados, líneas y óvalos (características del Op Art), sino que utilizó, en gran medida, como colores, el blanco y el negro,creando una gran dualidad que definiría su estilo.  

Os dejo alguna de sus obras. Observad ese efecto óptico que se crea en todas ellas, pero que es necesario, la participación del espectador, como ya he dicho. 

                                                           "Pause" (1964)  

 "Blaze 1" (1962)

Arte y Educación

El otro día, hablando del estado de la educación actualmente y del futuro que le espera, me llamó muchísimo la atención un comentario que hizo una persona, se cuestionaba la importancia del arte en la educación, ¿realmente tiene una influencia positiva el arte en la educación y futuro de los niños?. Muchas veces, hay gente que llega a cuestionar esta idea: ¿qué puede aportar el arte a la educación? Sinceramente, yo no tengo niguna duda de la Educación Artística es totalmente necesaria en el sistema educativo, y apoyo, en todo momento, la integración y mantenimiento de la Educación Artístico dentro del ambito del curriculo y programaciones escolares de hoy en día. 

Pues bien, siguiendo la línea de todo ésto, hoy me gustaría dedicar una entrada a dar diferentes respuestas a esta cuestión, distintos motivos por los que se puede llegar a corroborar la importancia del arte en la educación.

En primer lugar, os voy a mostrar diferentes bases que se establecieron en la XXX Conferencia General de la UNESCO, donde se propuso promover la inclusión de disciplinas artísticas en la formación general del niño, aportando diferentes consideraciones sobre la Educación Artística:

• Contribuye al desarrollo de su personalidad, tanto en lo que se refiere a lo emocional como a lo cognitivo.
• Tiene una influencia positiva en su desarrollo general, tanto en el académico como en el personal.
• Inspira el potencial creativo y fortalece la adquisición de conocimientos.
• Estimula las capacidades de imaginación, expresión oral, la habilidad manual, la concentración, la memoria, el interés personal por los otros, etc. 
• Incide en el fortalecimiento de la conciencia de uno mismo, y de su propia identidad. 
• Dota a los niños de instrumentos de comunicación y autoexpresión.
• Contribuye a la creación de audiencias de calidad, favoreciendo el respeto intercultural.

Indudablemente, como ya vengo diciendo, el arte es una auténtica ayuda en el mundo de la Educación. ¿Cómo es posible que alguien lo ponga en duda? No lo entiendo. A través del arte, podemos llegar a cambiar el mundo, y el precario estado de la sociedad en la que, parece ser que sin ningún remedio, estamos viviendo ahora. A través de la creación artística los niños pueden realmente expresarse, mostrar cómo se sienten en cada momento... el arte tiene una gran influencia en lo que respeta al desarrollo de la creatividad y la imaginación, fomenta la autoexpresión, ayuda a entender el mundo que nos rodea...y como no, creo que el arte es una buena herramienta para encontrar el camino hacia la felicidad, y ¿por qué no enseñar en las escuelas a ser felices? dejarnos de tantos conocimientos a memorizar (que después probablemente ningún niño utilice a lo largo de su vida) y promover la enseñanza del camino de la felicidad,quizás suene un poco "ñoño", por así decirlo, pero, sinceramente, creo que es una de las ideas en las que debería estar basado el planteamiento de los programas escolares. 

Como final de esta entrada, me gustaría que vierais este breve vídeo donde, desde un punto anecdótico y humorísitico, se hace una pequeña crítica al sistema educativo de hoy en día, merece la pena escuchar a Sir Ken Robinson, un gran experto en creatividad y educación, que ha realizo diferentes estudios sobre la importancia del desarrollo de la creatividad en la educación, y la verdad, que las conclusiones a las que ha llegado deberían ser escuchadas por todo el mundo. Aunque en este vídeo se muestran de una manera bastante resumida todas esas conclusiones, creo que nos podemos hacer una idea. 

Hiperrealismo y Ron Mueck

Observar durante unos momentos esta imagen, ¿no parece realmente de verdad? es increíble y asombroso, por lo menos para mí. Se trata de la obra "Big Man" (2000) de dos metros, una de las magníficas obras de Ron Mueck, gran artista y representante del Hiperrealismo. Pero, primero, vamos a ver qué eso eso del Hiperrealismo. Como su propio nombre indica, se suele decir que es una especie de tendencia radical del Realismo, que tuvo su importancia en Estados Unidos, hacia aproximadamente los años 60. En la imagen que os he mostrado, se plasma una de las principales características del Hiperrealismo, y es la idea de reproducir la realidad con mucha fidelidad y objetividad, incluso se podría decir que superando a la fotografía, mostrando asombrosamente todo tipo de detalles, sin olvidarse de ninguno. Tratan de aproximarse al mundo real, pero de una manera radical, tomando como modelos cualquier elemento que puedan obtener de su vida cotidiana. 

Ron Mueck es uno de los principales representantes de este movimiento artístico, sobretodo en lo que respecta a la escultura hiperrealista. Gran parte de su obra se centra en el ser humano, en mostrar la belleza del cuerpo humano, pero, a la vez, lo feo que puede tener el ser humando, que en lugar de parecernos desagradable, Ron Mueck hace que se convierta en algo emocionante e inverosímil, desde mi punto de vista. Otro de los muchos rasgos característicos de Ron Mueck es el juego que hace con los tamaños, haciendo que sean demasiado pequeños para el volumen natural del ser humano, o por el contrario demasiado grandes, como podemos ver en su obra "Boy" (1999), de cinco metros (escultura que os muestro a la izquierda). 

Para la creación de sus obras, este artista utiliza materiales como silicona, resinas especiales y poliéster, consiguiendo que sus esculturas parezcan personas reales, de carne y hueso. Personalmente, me gustaría que os fijarais en el rostro de las figuras, la expresión, es impresionante, un realismo espeluznante, llegándote a transmitir muchísimas sensaciones, interpretadas de manera diferente por cada espectador, pero que, estoy segura, no deja a nadie indiferente ante la contemplación de estos pequeños y grandes "seres sin vida". 

Os dejo alguna otra obra de este gran artista, para que comprobéis como lo que os digo es verdad.

Os dejo también este vídeo donde podréis ver muchas de sus obras, desde diferentes puntos de vista.

Sinceramente, ¿no os parece realmente asombroso cómo es posible hacer algo así, tan real? 

El Pop Art

Hoy voy a hablaros de un movimiento artístico que me llama muchísimo la atención, y que, de la misma forma que otros estilos artísticos que he comentado en entradas anteriores, es un movimiento artístico que tampoco se suele incluir en el sistema educativo, por lo que hace que no sea tan conocido, pero para mí, creo que tiene la misma importancia que cualquier otro movimiento artístico de los que sí se ven en las aulas, ya que es igual de impresionante, y las técnicas que utiliza creo que, realmente, merecen la pena conocer. Se trata del Pop Art.
Comenzaré siguiendo el esquema que vengo repitiendo en entradas anteriores: ¿Qué es eso del Pop Art? Sé que a muchísimos de vosotros ni os sonará, quizás os recuerde a algo relacionado con el "pop" (debido a su nombre), o simplemente lo relacionéis con algún estilo artístico del mundo contemporáneo. Pues bien, no vais demasiado mal encaminados. El Pop Art es un movimiento artístico que surgió en Inglaterra hacia 1955, aunque se desarrolla, posteriormente, en Estados Unidos, donde tuvo su gran auge, convirtiéndose en el estilo artístico característico de los años setenta. Se caracteriza, principalmente, por utilizar una temática urbana, relacionada con la sociedad de consumo; por ello, se puede ver como, repetidas veces, emplean imágenes extraídas de la cultura popular (tomadas de los medios de comunicación, del mundo del cine, etc.), buscando utilizar imágenes populares oponiéndose totalmente a los estilos existentes hasta ese momento en Bellas Artes. Por lo tanto, siguiendo todas estas líneas, podemos atrevernos a decir que el Pop Art es un estilo realista y figurativo, alejado de cualquier expresionismo abstracto, centrándose en esa cultura popular y de masas. Algunos de los temas que más van a representar hacer referencia al estatus social, la fama, la violencia, la sexualidad y el erotismo, los signos de la tecnología industrial...y sobretodo esa sociedad de consumo, que avanzaba a toda prisa en aquellos años en los que surgía el Pop Art. 
Hablando un poco ya más "técnicamente", cabe comentar los colores que emplean, siendo casi siempre colores puros, brillantes y fluorescentes, basándose en los colores usados en las industrias y sus productos, en ese consumismos y superficialidad. Como ya he dicho antes, utilizarían la combinación de la pintura con objetos reales (por ejemplo flores de plástico, botellas...), integrándolo todo conjuntamente en las composiciones, así como la utilización de diferentes materiales (como por ejemplo la goma espuma); del mismo modo que buscarán plantearlo todo a través de figuras planas y un volumen esquemático. 

Uno de los principales representantes del Pop Art fue Andy Warhol, el cual, utilizando la serigrafía, intentaba reproducir mitos de la sociedad contemporánea, como por ejemplo, las conocidas series de Marilyn Monroe (imagen de la derecha), que apuesto que todos las habéis visto alguna vez en vuestra vida, o las series de Elvis Presley, Elizabeth Taylor... o también el tratamiento que hizo de las latas de sopa Campbell, igual de famosas.

Por otro lado, me gustaría hablaros también de Roy Lichtenstein, del cual ya hable brevemente en una entrada anterior, por lo que no me voy a alargar mucho. Me gustaría destacar una frase que él mismo comentó y que deja muy claro el concepto de Pop Art: "Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo ser impersonal mientras la realizo". Roy Lichtenstein se centra, en un primer momento en imágenes y tiras cómicas procedentes de la impresión comercial, por lo que va a realizar varias series de viñetas cómicas, así como también utilizará imágenes de la publicidad evocando el consumismo, y tareas domésticas. Sus obras, desde mi punto de vista, son fáciles de reconocer por el uso de una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blancos, en casi toda su producción, utilizando también una gama cromática reducida, centrándose en el amarillo, rojo y azul, combinándolo con el negro, gris y blanco, dándole algo de profundidad a las imágenes. Desde mi gusto personal, creo que Roy Lichtenstein es uno de los mejores artistas del Pop Art. Alguna de sus obras más importantes y, a la vez, asombrosas son "Takka, Takka" (arriba izquierda), o Good Morning, Darling.

Dentro del Pop Art, también podemos hablar de la escultura, donde me gustaría hacer referencia a Rauschenberg (escultura de la izquierda), el cual toma todo tipo de objetos del mundo circundante, integrando cada vez más elementos en sus obras, resaltando la gran relación entre el arte y la vida, uno de sus principales objetivos. Merece la pena ver esculturas de este gran artista, os ánimo a ello. 

Los juguetes en la infancia

¿Quién no cree que el juego es algo básico en la infancia de los niños? Creo que todos estamos totalmente de acuerdo en la idea de que para que un niño tenga un desarrollo integral adecuado es necesario, en una gran parte, el juego. ¿Y por qué no acercar a los niños el mundo del arte a través de los juguetes? Sería una muy buena salida para poder convertir la enseñanza de la Educación Artística en algo más ameno y divertido, pero  sin dejar de aprender conceptos, procedimientos y destrezas. 

Todo esto es algo que se plantea como inicio en la exposición "Los juguetes de las vanguardias" (llevada a cabo desde 4 de octubre hasta el 30 de enero de 2011, en el Museo Picasso de Málaga). 

Lo que hacen en dicha exposición es presentar los juguetes (al igual que mobiliario, libros, fotografías, carteles...) de las vanguardias, así como la manera en que los artistas del siglo XX quisieron aproximar a la infancia el arte moderno, ya que según he podido leer, a lo largo de este siglo hubo un gran interés por integrar arte y educación, realizando varios intentos, entre ellos, la creación de todos estos juguetes, influenciados por una gran renovación pedagógica que se estaba buscando en esa época (sobretodo primera mitad del siglo XX).

Se muestran juguetes y demás útiles de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, creados con una intención didáctica y pedagógica. Aparecen juguetes de artistas como Picasso (juguete de madera que vemos arriba a la izquierda, años 20), Joan Miró, Edward Steichen, Alexander Calder ("Circo de Calder", merece la pena verlo también)... y otros muchos artistas. Ya no solo de las artes visuales, sino que también se combinan el teatro, la fotografía, el diseño, el cine o la literatura; por lo tanto, colaboran, del mismo modo, escritores como Ramón Gómez de la Serna, Edgar Neville, Kipling...y muchos otros, creando algunos de los cuentos e historias infantiles que se exponen. 

Seguro que haber podido ver esta exposición no hubiera tenido desperdicio. Me parece una muy buena idea acercar a los niños al mundo del arte (en este caso, al arte moderno) a través de los juegos, y ¿por qué no? los juguetes son algo cotidiano que todos los días los niños tratan con ellos, por lo que, poder "disfrutar del arte jugando" sería algo excelente en lo que respecta a la Educación Artística, estar aprendiendo conceptos artísticos de manera indirecta, pero, muy divertida. Aparte de todo ésto, me gustaría decir que ver cómo alguien se interesa por mostrar a los demás cómo eran los juguetes en el siglo pasado es algo gratificante, ya que muchísimas personas desconocemos todo ese mundo (una servidora, por ejemplo, no había tenido la oportunidad de ver muchos de estos juguetes de esta manera), por lo que, ayuda en el proceso de aculturación general del individuo también. Os ánimo a buscar algo de información de esta exposición y ver imágenes de varios de estos juguetes, nos arrepentiréis. 

El Cubismo

Como ya vengo hablando en varias entradas de diferentes estilos artísticos, en este caso quiero dedicar esta entrada a uno de los movimientos artísticos que más me llama la atención dentro del arte del siglo XX: el Cubismo. Para mí, creo que enseñar el cubismo dentro de las escuelas sería una muy, pero que muy buena idea, mostrar a los alumnos otro tipo de arte distinto al habitual, pero igual de bueno e interesante, con la misma capacidad de transmitir sensaciones, y provocar emociones en quien lo ve.

¿Qué es eso del cubismo? Podemos encontrar muchísimas definiciones en diferentes páginas web hacia el cubismo, lo que yo voy a hacer es una mezcla de todo lo que he podido encontrar no solo en Internent, sino en algún libro que he podido obtener relacionado con el arte... Se suele decir que el cubismo surgió hacia 1907, de la mano de Pablo Picasso (cuando finaliza las "Señoritas de Avignon", punto de partida de este movimiento artístico, cuadro que os muestro aquí a la izquierda), Georges Braque y Juan Gris (otros dos grandes pioneros del cubismo). El cubismo se ha caracterizado siempre por no utilizar una perspectiva convencional ni los colores básicos de la realidad, ni tampoco un punto de vista único, sino que se los diferentes autores se inclinaban por unos colores más neutros (como el gris, blanco, verde claro...), aumentando también los ángulos de observación del objeto representado, intentando conseguir una especie de cuarta dimensión; es decir, rompe un poco con la estética clásica establecida, con el concepto de belleza instaurado y las formas asentadas de observar la naturaleza. Otra de sus principales características, y con la cual solemos identificar este estilo artístico, es el hecho d emplear, en todo momento, figuras geométricas (tales como triángulos, rectángulos, cubos...), realizando una descomposición de la figura representada en sus partes mínimas, fragmentándola en líneas y superficies, y, por lo tanto, llevando a cabo una gran exaltación del plano, y produciéndose, prácticamente, una desaparición de la luz. Sin embargo, una idea a destacar es que nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, por así decirlo, sino que siempre, de una manera u otra, van a respetar las formas. Cabe destacar también como van a suprimir los detalles, acabando por represantar el objeto por un solo aspecto  Los temas que se van a intentar representar son, principalmente, los retratos, la naturaleza muerta (sobretodo urbana) y los bodegones. 

Os muestro alguna obra de los tres pintores que he mencionado antes: Braque, Juan Gris y Picasso, que son los más destacados en este ámbito de la pintura, y para mí, unos de los más grandes representantes del Cubismo, ya que reflejan claramente la esencia de este movimiento artístico, consequir que la propia obra de arte sea tenga valor en sí misma, sea expresión de ideas, haciendo que el espectador reconstruya en su mente la obra para poder comprenderla. 

"Guitarra y Mandolina" (1919). Juan Gris

"El clarinete" (1912). Georges Braque

 
"Los tres músicos" (1921). Pablo Picasso