Museo del Prado

Seguro que todos habéis oído a hablar del Museo del Prado, o al menos os sonará que es un museo que hay en Madrid...pues para mí, no es solo eso, es un sueño, llevo muchísimos años queriendo ir, pero nunca he tenido la oportunidad....Os voy a hablar un poco de ese magnífico lugar para que lo conozcáis. 

El Museo del Prado es uno de los más importantes museos del mundo, donde se recogen muchísimas obras conocidas a lo largo de la historia. Su antiguo director, Alfonso E.Pérez Sánchez, llegó a afirmar acerca del museo: "representa a los ojos del mundo lo más significativo de nuestra cultura y lo más brillante y perdurable de nuestra historia", y estoy totalmente de acuerdo con él. Algo que atrae a muchísimos turistas a visitarlo es la presencia de obras de grandes pintores como Velázquez, Goya, El Greco, Rubens, Tiziano, El Bosco, Murillo, Zurbarán...y muchos más. Por lo tanto, se podría decir que se exponen pinturas de todos los estilos y épocas, consiguiendo que sea uno de los museos con mayor concentración de obras maestras (aproximadamente 7600 pinturas, 1000 esculturas, 4800 estampas y 8200 dibujos); cuenta con tantas obras que es imposible ver todo el museo en un día...por ello se hacen diferentes tiempos para las visitas (cosa que yo no sabía y que me acabo de enterar buscando algo más de información para contaros), se pueden hacer visitas de una hora, de dos horas, o de tres horas, con diferentes recorridos para ver, dependiendo del tiempo del que disponga cada persona. Cabe decir que hasta el mismo edificio que recoge dicho museo es una obra maestra también, desde mi punto de vista, realizada por Juan de Villanueva en 1785, por orden de Carlos III, para el Gabinete de Ciencias Naturales; pero fue el nieto de Carlos III, es decir, Fernando VII quien decidió que la construcción fuera destinada para un Real Museo de Pinturas y Escultura (llamándose posteriormente Museo del Prado). 

Para mucha gente, el Museo del Prado, es eso, simplemente un museo con muchos cuadros y esculturas, sin darse cuenta de lo que realmente es, sin saber apreciar los afortunados que son por ser una de las personas que pueden ver la historia del arte y observar su grandeza. Es uno de los lugares donde se puede disfrutar de una gran amplia colección de obras de arte, permitiéndote observar de cerca cómo es realmente un cuadro, por ejemplo; una de las grandes obras que se puede disfrutar en el museo y que fijo que todos conocéis es "Las Meninas" de Velázquez, no he tenido oportunidad de observarla de cerca, pero una vez, un profesor que tuve de Dibujo Artístico en Bachillerato, me comentó que merecía la pena poder contemplarla de cerca y comprobar la gran técnica que tenía Velázquez, ver cómo acumulaba y acumulaba pintura creando esos "pegotes" de pintura, dando ese volumen y profundidad a la obra, impresionante (o al menos eso dicen).

Ojalá este verano tuviese la ocasión de ir, se haría realidad uno de mis mayores sueños.

El Op Art y Bridget Riley

Sinceramente, nunca había oído nada sobre el Op Art, ni siquiera sabía que eso existía. Viendo los apuntes de clase, vi ese término, y la verdad, me llamó muchísimo la atención, así que decidí ponerme a buscar algo de información sobre eso del Op Art. Os hablaré un poco de él para que lo conozcáis también.

El Op Art es un movimiento artístico que comenzó hacia 1950 en Estados Unidos principalmente, llegando a tener una gran importancia hacia los años 70. Proviene del término "optical art" (arte óptico), haciendo referencia a ese uso de las "ilusiones ópticas". Una de sus principales finalidades es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro, pero sin existir un movimiento real, siendo obras estáticas, por así decirlo; por lo tanto, resumiendo, cabe decir que el Op Art se centra principalmente en la creación de grandes efectos visuales, utilizando, gran medida, formas geométricas y la repetición de éstas, dándole muchísima relevancia también al uso del color, siendo habitualmente colores planos, pero de una manera determinada, con un plan preestablecido, para conseguir como resultado ese efecto óptico del que vengo hablando. El Op Art se caracterizará también por una total ausencia de figuración, siendo un arte abstracto, muchas veces relacionado con la abstracción geométrica sin ninguna duda, con la clara intención de engañar al ojo humano, mediante esas ilusiones ópticas comentadas. 

Creo que es importante destacar, desde mi punto de vista, la gran significación del espectador en este movimiento pictórico, las obras de dicho arte van a interactuar en todo momento con el espectador, a través de esos efectos ópticos. 
Algunos de más importantes representantes del Op Art son: Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Bridget Riley, Kenneth Noland, Lawrence Poons... y muchos más. Me gustaría hablaros de Bridget Riley (imagen que vemos al comienzo), que, centrándome en mi gusto personal, creo que sus obras no defraudan a nadie, y que además, visualizándolas podemos comprender las diferentes características comentadas del Op Art, ya que, como ya he dicho muchas veces, creo que la mejor forma de comprender y entender algo es viéndolo y llevándolo a la práctica...

Se conoce a Bridget Riley como una de las pioneras de este estilo artístico, que hizo hincapié y le dio mucha importancia a la idea de que el espectador se convirtiera en un espectador activo, es decir, que fuese uno de los principales participantes de la obra, cosa que ya he dicho antes que fue uno de los aspectos fundamentales del Op Art. Bridget Riley destacaría también, no solo por el uso de formas geométricas, como cuadrados, líneas y óvalos (características del Op Art), sino que utilizó, en gran medida, como colores, el blanco y el negro,creando una gran dualidad que definiría su estilo.  

Os dejo alguna de sus obras. Observad ese efecto óptico que se crea en todas ellas, pero que es necesario, la participación del espectador, como ya he dicho. 

                                                           "Pause" (1964)  

 "Blaze 1" (1962)

Arte y Educación

El otro día, hablando del estado de la educación actualmente y del futuro que le espera, me llamó muchísimo la atención un comentario que hizo una persona, se cuestionaba la importancia del arte en la educación, ¿realmente tiene una influencia positiva el arte en la educación y futuro de los niños?. Muchas veces, hay gente que llega a cuestionar esta idea: ¿qué puede aportar el arte a la educación? Sinceramente, yo no tengo niguna duda de la Educación Artística es totalmente necesaria en el sistema educativo, y apoyo, en todo momento, la integración y mantenimiento de la Educación Artístico dentro del ambito del curriculo y programaciones escolares de hoy en día. 

Pues bien, siguiendo la línea de todo ésto, hoy me gustaría dedicar una entrada a dar diferentes respuestas a esta cuestión, distintos motivos por los que se puede llegar a corroborar la importancia del arte en la educación.

En primer lugar, os voy a mostrar diferentes bases que se establecieron en la XXX Conferencia General de la UNESCO, donde se propuso promover la inclusión de disciplinas artísticas en la formación general del niño, aportando diferentes consideraciones sobre la Educación Artística:

• Contribuye al desarrollo de su personalidad, tanto en lo que se refiere a lo emocional como a lo cognitivo.
• Tiene una influencia positiva en su desarrollo general, tanto en el académico como en el personal.
• Inspira el potencial creativo y fortalece la adquisición de conocimientos.
• Estimula las capacidades de imaginación, expresión oral, la habilidad manual, la concentración, la memoria, el interés personal por los otros, etc. 
• Incide en el fortalecimiento de la conciencia de uno mismo, y de su propia identidad. 
• Dota a los niños de instrumentos de comunicación y autoexpresión.
• Contribuye a la creación de audiencias de calidad, favoreciendo el respeto intercultural.

Indudablemente, como ya vengo diciendo, el arte es una auténtica ayuda en el mundo de la Educación. ¿Cómo es posible que alguien lo ponga en duda? No lo entiendo. A través del arte, podemos llegar a cambiar el mundo, y el precario estado de la sociedad en la que, parece ser que sin ningún remedio, estamos viviendo ahora. A través de la creación artística los niños pueden realmente expresarse, mostrar cómo se sienten en cada momento... el arte tiene una gran influencia en lo que respeta al desarrollo de la creatividad y la imaginación, fomenta la autoexpresión, ayuda a entender el mundo que nos rodea...y como no, creo que el arte es una buena herramienta para encontrar el camino hacia la felicidad, y ¿por qué no enseñar en las escuelas a ser felices? dejarnos de tantos conocimientos a memorizar (que después probablemente ningún niño utilice a lo largo de su vida) y promover la enseñanza del camino de la felicidad,quizás suene un poco "ñoño", por así decirlo, pero, sinceramente, creo que es una de las ideas en las que debería estar basado el planteamiento de los programas escolares. 

Como final de esta entrada, me gustaría que vierais este breve vídeo donde, desde un punto anecdótico y humorísitico, se hace una pequeña crítica al sistema educativo de hoy en día, merece la pena escuchar a Sir Ken Robinson, un gran experto en creatividad y educación, que ha realizo diferentes estudios sobre la importancia del desarrollo de la creatividad en la educación, y la verdad, que las conclusiones a las que ha llegado deberían ser escuchadas por todo el mundo. Aunque en este vídeo se muestran de una manera bastante resumida todas esas conclusiones, creo que nos podemos hacer una idea. 

Hiperrealismo y Ron Mueck

Observar durante unos momentos esta imagen, ¿no parece realmente de verdad? es increíble y asombroso, por lo menos para mí. Se trata de la obra "Big Man" (2000) de dos metros, una de las magníficas obras de Ron Mueck, gran artista y representante del Hiperrealismo. Pero, primero, vamos a ver qué eso eso del Hiperrealismo. Como su propio nombre indica, se suele decir que es una especie de tendencia radical del Realismo, que tuvo su importancia en Estados Unidos, hacia aproximadamente los años 60. En la imagen que os he mostrado, se plasma una de las principales características del Hiperrealismo, y es la idea de reproducir la realidad con mucha fidelidad y objetividad, incluso se podría decir que superando a la fotografía, mostrando asombrosamente todo tipo de detalles, sin olvidarse de ninguno. Tratan de aproximarse al mundo real, pero de una manera radical, tomando como modelos cualquier elemento que puedan obtener de su vida cotidiana. 

Ron Mueck es uno de los principales representantes de este movimiento artístico, sobretodo en lo que respecta a la escultura hiperrealista. Gran parte de su obra se centra en el ser humano, en mostrar la belleza del cuerpo humano, pero, a la vez, lo feo que puede tener el ser humando, que en lugar de parecernos desagradable, Ron Mueck hace que se convierta en algo emocionante e inverosímil, desde mi punto de vista. Otro de los muchos rasgos característicos de Ron Mueck es el juego que hace con los tamaños, haciendo que sean demasiado pequeños para el volumen natural del ser humano, o por el contrario demasiado grandes, como podemos ver en su obra "Boy" (1999), de cinco metros (escultura que os muestro a la izquierda). 

Para la creación de sus obras, este artista utiliza materiales como silicona, resinas especiales y poliéster, consiguiendo que sus esculturas parezcan personas reales, de carne y hueso. Personalmente, me gustaría que os fijarais en el rostro de las figuras, la expresión, es impresionante, un realismo espeluznante, llegándote a transmitir muchísimas sensaciones, interpretadas de manera diferente por cada espectador, pero que, estoy segura, no deja a nadie indiferente ante la contemplación de estos pequeños y grandes "seres sin vida". 

Os dejo alguna otra obra de este gran artista, para que comprobéis como lo que os digo es verdad.

Os dejo también este vídeo donde podréis ver muchas de sus obras, desde diferentes puntos de vista.

Sinceramente, ¿no os parece realmente asombroso cómo es posible hacer algo así, tan real? 

El Pop Art

Hoy voy a hablaros de un movimiento artístico que me llama muchísimo la atención, y que, de la misma forma que otros estilos artísticos que he comentado en entradas anteriores, es un movimiento artístico que tampoco se suele incluir en el sistema educativo, por lo que hace que no sea tan conocido, pero para mí, creo que tiene la misma importancia que cualquier otro movimiento artístico de los que sí se ven en las aulas, ya que es igual de impresionante, y las técnicas que utiliza creo que, realmente, merecen la pena conocer. Se trata del Pop Art.
Comenzaré siguiendo el esquema que vengo repitiendo en entradas anteriores: ¿Qué es eso del Pop Art? Sé que a muchísimos de vosotros ni os sonará, quizás os recuerde a algo relacionado con el "pop" (debido a su nombre), o simplemente lo relacionéis con algún estilo artístico del mundo contemporáneo. Pues bien, no vais demasiado mal encaminados. El Pop Art es un movimiento artístico que surgió en Inglaterra hacia 1955, aunque se desarrolla, posteriormente, en Estados Unidos, donde tuvo su gran auge, convirtiéndose en el estilo artístico característico de los años setenta. Se caracteriza, principalmente, por utilizar una temática urbana, relacionada con la sociedad de consumo; por ello, se puede ver como, repetidas veces, emplean imágenes extraídas de la cultura popular (tomadas de los medios de comunicación, del mundo del cine, etc.), buscando utilizar imágenes populares oponiéndose totalmente a los estilos existentes hasta ese momento en Bellas Artes. Por lo tanto, siguiendo todas estas líneas, podemos atrevernos a decir que el Pop Art es un estilo realista y figurativo, alejado de cualquier expresionismo abstracto, centrándose en esa cultura popular y de masas. Algunos de los temas que más van a representar hacer referencia al estatus social, la fama, la violencia, la sexualidad y el erotismo, los signos de la tecnología industrial...y sobretodo esa sociedad de consumo, que avanzaba a toda prisa en aquellos años en los que surgía el Pop Art. 
Hablando un poco ya más "técnicamente", cabe comentar los colores que emplean, siendo casi siempre colores puros, brillantes y fluorescentes, basándose en los colores usados en las industrias y sus productos, en ese consumismos y superficialidad. Como ya he dicho antes, utilizarían la combinación de la pintura con objetos reales (por ejemplo flores de plástico, botellas...), integrándolo todo conjuntamente en las composiciones, así como la utilización de diferentes materiales (como por ejemplo la goma espuma); del mismo modo que buscarán plantearlo todo a través de figuras planas y un volumen esquemático. 

Uno de los principales representantes del Pop Art fue Andy Warhol, el cual, utilizando la serigrafía, intentaba reproducir mitos de la sociedad contemporánea, como por ejemplo, las conocidas series de Marilyn Monroe (imagen de la derecha), que apuesto que todos las habéis visto alguna vez en vuestra vida, o las series de Elvis Presley, Elizabeth Taylor... o también el tratamiento que hizo de las latas de sopa Campbell, igual de famosas.

Por otro lado, me gustaría hablaros también de Roy Lichtenstein, del cual ya hable brevemente en una entrada anterior, por lo que no me voy a alargar mucho. Me gustaría destacar una frase que él mismo comentó y que deja muy claro el concepto de Pop Art: "Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo ser impersonal mientras la realizo". Roy Lichtenstein se centra, en un primer momento en imágenes y tiras cómicas procedentes de la impresión comercial, por lo que va a realizar varias series de viñetas cómicas, así como también utilizará imágenes de la publicidad evocando el consumismo, y tareas domésticas. Sus obras, desde mi punto de vista, son fáciles de reconocer por el uso de una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blancos, en casi toda su producción, utilizando también una gama cromática reducida, centrándose en el amarillo, rojo y azul, combinándolo con el negro, gris y blanco, dándole algo de profundidad a las imágenes. Desde mi gusto personal, creo que Roy Lichtenstein es uno de los mejores artistas del Pop Art. Alguna de sus obras más importantes y, a la vez, asombrosas son "Takka, Takka" (arriba izquierda), o Good Morning, Darling.

Dentro del Pop Art, también podemos hablar de la escultura, donde me gustaría hacer referencia a Rauschenberg (escultura de la izquierda), el cual toma todo tipo de objetos del mundo circundante, integrando cada vez más elementos en sus obras, resaltando la gran relación entre el arte y la vida, uno de sus principales objetivos. Merece la pena ver esculturas de este gran artista, os ánimo a ello. 

Los juguetes en la infancia

¿Quién no cree que el juego es algo básico en la infancia de los niños? Creo que todos estamos totalmente de acuerdo en la idea de que para que un niño tenga un desarrollo integral adecuado es necesario, en una gran parte, el juego. ¿Y por qué no acercar a los niños el mundo del arte a través de los juguetes? Sería una muy buena salida para poder convertir la enseñanza de la Educación Artística en algo más ameno y divertido, pero  sin dejar de aprender conceptos, procedimientos y destrezas. 

Todo esto es algo que se plantea como inicio en la exposición "Los juguetes de las vanguardias" (llevada a cabo desde 4 de octubre hasta el 30 de enero de 2011, en el Museo Picasso de Málaga). 

Lo que hacen en dicha exposición es presentar los juguetes (al igual que mobiliario, libros, fotografías, carteles...) de las vanguardias, así como la manera en que los artistas del siglo XX quisieron aproximar a la infancia el arte moderno, ya que según he podido leer, a lo largo de este siglo hubo un gran interés por integrar arte y educación, realizando varios intentos, entre ellos, la creación de todos estos juguetes, influenciados por una gran renovación pedagógica que se estaba buscando en esa época (sobretodo primera mitad del siglo XX).

Se muestran juguetes y demás útiles de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, creados con una intención didáctica y pedagógica. Aparecen juguetes de artistas como Picasso (juguete de madera que vemos arriba a la izquierda, años 20), Joan Miró, Edward Steichen, Alexander Calder ("Circo de Calder", merece la pena verlo también)... y otros muchos artistas. Ya no solo de las artes visuales, sino que también se combinan el teatro, la fotografía, el diseño, el cine o la literatura; por lo tanto, colaboran, del mismo modo, escritores como Ramón Gómez de la Serna, Edgar Neville, Kipling...y muchos otros, creando algunos de los cuentos e historias infantiles que se exponen. 

Seguro que haber podido ver esta exposición no hubiera tenido desperdicio. Me parece una muy buena idea acercar a los niños al mundo del arte (en este caso, al arte moderno) a través de los juegos, y ¿por qué no? los juguetes son algo cotidiano que todos los días los niños tratan con ellos, por lo que, poder "disfrutar del arte jugando" sería algo excelente en lo que respecta a la Educación Artística, estar aprendiendo conceptos artísticos de manera indirecta, pero, muy divertida. Aparte de todo ésto, me gustaría decir que ver cómo alguien se interesa por mostrar a los demás cómo eran los juguetes en el siglo pasado es algo gratificante, ya que muchísimas personas desconocemos todo ese mundo (una servidora, por ejemplo, no había tenido la oportunidad de ver muchos de estos juguetes de esta manera), por lo que, ayuda en el proceso de aculturación general del individuo también. Os ánimo a buscar algo de información de esta exposición y ver imágenes de varios de estos juguetes, nos arrepentiréis. 

El Cubismo

Como ya vengo hablando en varias entradas de diferentes estilos artísticos, en este caso quiero dedicar esta entrada a uno de los movimientos artísticos que más me llama la atención dentro del arte del siglo XX: el Cubismo. Para mí, creo que enseñar el cubismo dentro de las escuelas sería una muy, pero que muy buena idea, mostrar a los alumnos otro tipo de arte distinto al habitual, pero igual de bueno e interesante, con la misma capacidad de transmitir sensaciones, y provocar emociones en quien lo ve.

¿Qué es eso del cubismo? Podemos encontrar muchísimas definiciones en diferentes páginas web hacia el cubismo, lo que yo voy a hacer es una mezcla de todo lo que he podido encontrar no solo en Internent, sino en algún libro que he podido obtener relacionado con el arte... Se suele decir que el cubismo surgió hacia 1907, de la mano de Pablo Picasso (cuando finaliza las "Señoritas de Avignon", punto de partida de este movimiento artístico, cuadro que os muestro aquí a la izquierda), Georges Braque y Juan Gris (otros dos grandes pioneros del cubismo). El cubismo se ha caracterizado siempre por no utilizar una perspectiva convencional ni los colores básicos de la realidad, ni tampoco un punto de vista único, sino que se los diferentes autores se inclinaban por unos colores más neutros (como el gris, blanco, verde claro...), aumentando también los ángulos de observación del objeto representado, intentando conseguir una especie de cuarta dimensión; es decir, rompe un poco con la estética clásica establecida, con el concepto de belleza instaurado y las formas asentadas de observar la naturaleza. Otra de sus principales características, y con la cual solemos identificar este estilo artístico, es el hecho d emplear, en todo momento, figuras geométricas (tales como triángulos, rectángulos, cubos...), realizando una descomposición de la figura representada en sus partes mínimas, fragmentándola en líneas y superficies, y, por lo tanto, llevando a cabo una gran exaltación del plano, y produciéndose, prácticamente, una desaparición de la luz. Sin embargo, una idea a destacar es que nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, por así decirlo, sino que siempre, de una manera u otra, van a respetar las formas. Cabe destacar también como van a suprimir los detalles, acabando por represantar el objeto por un solo aspecto  Los temas que se van a intentar representar son, principalmente, los retratos, la naturaleza muerta (sobretodo urbana) y los bodegones. 

Os muestro alguna obra de los tres pintores que he mencionado antes: Braque, Juan Gris y Picasso, que son los más destacados en este ámbito de la pintura, y para mí, unos de los más grandes representantes del Cubismo, ya que reflejan claramente la esencia de este movimiento artístico, consequir que la propia obra de arte sea tenga valor en sí misma, sea expresión de ideas, haciendo que el espectador reconstruya en su mente la obra para poder comprenderla. 

"Guitarra y Mandolina" (1919). Juan Gris

"El clarinete" (1912). Georges Braque

 
"Los tres músicos" (1921). Pablo Picasso

Arte contemporáneo en las escuelas

Existe un tema relacionado con la educación artística en el mundo escolar que me ha llamado muchísimo la atención, y es la idea de que el arte contemporáneo no se imparte como contenido en las escuelas hoy en día, un poco espeluznante este hecho, la verdad. Me gustaría hacer una breve reflexión sobre todo ésto. 

¿Por qué el arte contemporáneo no se enseña en las escuelas? ¿Cuál es el motivo? o mejor dicho ¿qué es lo que está pasando en la educación para dejar algo tan interesante sin mostrar a los niños? Quizás sea el hecho de que el arte contemporáneo no es el típico arte conocido figurativo y fácil de comprender, o quizás es que no se quiere que los niños aprendan a expresarse y mostrar sus conocimiento de una manera gráfica totalmente diferente...En realidad, no lo sé, y tampoco logró entenderlo. 

El arte contemporáneo se suele decir que es todo aquel arte que se ha venido dando desde comienzos del siglo XX hasta ahora, con diferentes estilos y técnicas, pero con ideas totalmente nuevas. Las raíces del arte contemporáneo podemos encontrarlas a finales del siglo XIX con el Impresionismo y el Postimpresionismo, siendo un punto de partida para todas las corrientes artísticas posteriores del siglo XX. Todas comparten una misma ideología: intentar buscar un nuevo lenguaje expresivo, con una visión diferente de la realidad, a la cual ya no van imitar, sino que intentarán, en todo momento interpretarla.  Todo ésto hace que se den nuevas ideas en cuanto al uso del color, la composición y la formas empleadas en las creaciones artísticas. 

Ahora, ¿quién a lo largo de su educación ha podido ver temas relacionados con el arte contemporáneo? Me atrevería a decir que muy poca gente, ni siquiera en Historia del Arte (impartida en 2º bachillerato, principalmente, del sistema actual), en la cual, como su propio nombre indica, se deberían de ver todas las corrientes artísticas que se han dado a lo largo de la historia de la humanidad, pero, no se sabe si por falta de tiempo, o porqué están más preocupados por prepararnos para la famosa prueba de la selectividad, éstos temas nunca se han tocado (cosa que he podido comprobar personalmente al asistir a Historia del Arte durante un curso escolar); simplemente vemos como se enseña el arte de la Antigüedad Clásica, el arte árabe (Al-Andalus), el Románico, el Gótico, el Renacimiento, el Barroco... y muchas otras corrientes artísticas, que no es por menospreciar a ninguna de ellas (el arte musulmán, por ejemplo, me parece una cosa extraordinaria, de gran belleza, en cuanto a técnica, exactitud...), pero creo que el arte contemporáneo también debería ser enseñado, ¿por qué? pues porque, simplemente, se trata del arte actual, del arte que vemos en nuestros días, y que sigue avanzando cada año, y creo, que, sencillamente, se podría decir que por necesidad, los niños deberían conocer todo lo que se está desarrollando a su alrededor, en la sociedad de su momento, y todo lo que van a poder encontrarse en su futuro.

Por último, me gustaría decir que no sé si ha mucha gente les "hará gracia" esta entrada, pero, me veía en la necesidad de dar mi opinión sobre este tema, ya que creo que es algo a lo que no le damos importancia, pero que realmente la tiene, y mucha. 

(imágenes extraídas de la página web: http://www.thespotlight.com.mx/news/zona-maco-2012-un-paseo-entre-el-arte-contemporaneo/)

El arte de la fotografía

La fotografía es un arte que nos permite captar cualquier instante sin ningún problema, y fijarlo y reproducirlo. Se puede decir que es como la imitación de la realidad, pero por medio de la luz, consiguiendo representar un mundo creíble.

Es interesante ver como se inició todo esto de la fotografía. Toco comenzó con una especie de caja maravillosa llamada "caja oscura", es la "máquina" de la que deriva la cámara fotográfica actual; la primera descripción completa que se conoce de este instrumento fue dada por Leonarado Da Vinci. Se trataba de una gran caja de madera, cerrada por una lente en el lado delantero (recibía el nombre de cámara oscura porque en su interior estaba pintada de negro), y con un pequeño agujero por donde va a entrar la luz; el artista dirigía esta caja hacia el instante que quería captar, y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Una caja de este tipo es muy fácil de realizar, y puedes encontrar muchísimos manuales en Internet, por lo que, construir una caja oscura con los niños, los alumnos, sería una actividad bastante interesante y adecuada para acercarlos al mundo de la fotografía de una manera más sencilla de comprender, y sobretodo, más divertida. 

Posteriormente, se puede hablar de las conocidas como "fotografías heliográficas", tomadas por el físico francés Nicéphore Niépce, en 1827, y que recuerdan bastantes a las actuales fotocopias ya que consiste en la reproducción de un gráfico a través de la luz que incide en un papel. Al mismo tiempo, por aquella época, Louis Jacques Mandé Daguerre descubre como fijar la imagen en unas planchas; y William Henry Fox Talbot inventa los negativos, permitiendo ya hacer copias ilimitadas, evitando también el ennegrecido al ser sumergidas sobre solución salina.

Con el tiempo, el conocimiento que se tuvo de la imagen fotográfica creció, y hoy en día, podemos decir que la fotografía es una de las ramas artísticas más conocidas y empleadas a la hora de transmitir determinados mensajes, o ideas, como por ejemplo en la publicidad. Para mí, la fotografía se puede entender como una gran herramienta para el registro de la vida, registro de nuestro paso por este mundo; con ella todos nuestros recuerdos pueden quedar plasmados y guardados, pudiéndo volver a mirarlos en cualquier momento y lugar. Un gran uso que se le suele dar a la fotografía, a mi parecer, es el de sensibilizar a los lectores de esa imagen acerca de diferentes aspectos de la vida, tanto del presente como del pasado (imágenes de la Segunda Guerra Mundial, por ejemplo). Sin embargo, para realizar fotografías creo que, primero, es necesario saber mirar, algo indispensable para obtener buenas fotografías (aunque, como ya he dicho tantas veces, todos somos artistas), saber ciertas "normas" relacionadas con el mundo de la fotografía, saber componer y organizar las formas para obtener un resultado bastante armonioso y equilibrado (conocer ideas relacionadas con el encuadre, primer plano, segundo plano...enfoque, perspectiva,etc). 

Se podría decir, siguiendo la línea de todo lo dicho anteriormente, que la fotografía es algo que podría (y debería) enseñarse en la educación básica, por eso mismo de aprender a mirar y analizar imagenes, creo que si tú mismo creas tus imágenes te será más fácil poder comprender que es lo que te quieren comunicar los demás a través del resto de las imágenes, por lo tanto, es necesario enseñar la técnica de la fotografía, con sus diferentes normas y reglas...

Educación Musical detrás de las rejas

Hoy, me gustaría hablar de algo un poco alejado de la temática de este blog, por así decirlo, pero, realmente me llama muchísimo la atención. En la asignatura de Expresión Musical en la Educación Primaria hemos tenido que hacer un trabajo de investigación bibliográfica sobre una experiencia musical educativa interdisciplinar, por lo que os voy a contar la experiencia que encontré investigando por diferentes bases de datos científicas de Internet. 

Se trata de la música en ambientes de prisiones, en concreto, un coro realizado por dos estudiantes de Educación Musical (Kristian C. y Miranda M.) en una pequeña cárcel de New Jersey, una prisión de unos 1300 reclusos, acusados, principalmente, por tráfico de drogas, tráfico de armas, y otros crímenes...casi todos los reclusos tienen entre 18 y 30 años, y llevan más de 5 años en la cárcel. Todo el proceso comienza con la visita del alcaide de esa prisión a la Universidad de Educación Musical de allí, interesándose por encontrar a alguien que quisiese llevar a cabo un coro en la prisión, los dos estudiantes no dudan en ponerse a la tarea. Se plantea el proyecto con la idea de utilizar la música como una herramienta para favorecer un cambio en sus vidas, haciendo hincapié en la idea de Justicia social, y en la idea de aprender unos de otros, los profesores no enseñan a los alumnos, sino que TODOS aprenden de TODOS. La manera en cómo se va a llevar adelante el coro va a ser muy díficil, debido, en un principio, a la falta de recursos, no disponen de los instrumentos necesarios, solo tienen un piano, que sabe tocar uno de los presos participantes en el coro, pero que no siempre va a estar disponible, depende de si dicho recluso se ha portado bien o mal. Todos los ensayos comenzarán con una pequeña discusión de un tema planteado por los estudiantes, preparando a los presos para la música y las canciones que vendrán después, y así, ya van introduciendo a los reclusos en la dinámica que se seguirá ese día. Todos los temas elegidos siempre estarán relacionados con la justicia social. Después del deabate, siempre van a hacer una canción o un juego de bienvenida. A través de los ensayos del coro, no solo van a aprender habilidades de canto, sino también teoría musical (leen pentagramas, marcan tonos...). Pero lo que más les gusta es el hecho de Rapear. Una de las primeras canciones que se propuso fue la canción de Eminen "Not Afraid" (Sin miedo), y cómo Kristian y Miranda vieron que gustó tanto eso del rap, decidieron que los presos personalizaran sus canciones. Se le daba importancia sobretodo a los mensajes que transmitían, los reclusos podían expresarse, mostrar sus sentimientos y emociones en cada momento, pero sin alejarse de la música, y siempre utilizando un vocabulario adecuado. Cuando finalizó el proyecto, todos obtuvieron unas ideas muy positivas hacia la música y la ayuda que ésta puede dar hacia el camino de la felicidad. Una de las opiniones que dijo un recluso respecto a esos ensayos del coro y que a mí más me llamó la atención: "es el único momento en el que me puedo expresar y la gente puede entenderme a mí y a mí música", otro de los reclusos dijo: "me ayuda a calmarme y ser menos violento", y así otras muchísimas más opiniones positivas. Kristian y Miranda, los dos estudiantes que plantearon el proyecto, también sacaron muchísimas conclusiones, en concreo, hay una que me gustaría destacar: "la música por su naturaleza tiene el poder de liberar, transformar y favorecer el cambio"; así mismo, Miranda llegó a decir “tomamos por supuesto cómo se siente alguien cuando hace algo bonito por nosotros o cuando un ser humano nos llega, llamándonos humanos. Estos tipos (los presos) raramente eran considerados humanos. Para cualquiera, solo son esos tipos a los que enseño los miércoles por la tarde. Yo los veo como mis compañeros, mis estudiantes y mis profesores. Mi semana no estaría completa sin nuestras 75 horas juntos. Ellos realmente han sacado lo mejor de mí, y por ello, estoy agradecida”. Los presos también son seres humanos con sentimientos y emociones, y deseos y sueños, que, muchas veces, en esta sociedad, nos olvidamos de ello, de que los reclusos son personas. Por lo tanto, se puede hablar de la música como terapia y ayuda a la reinserción y la rehabilitación.

Me gustaría mostraros una experiencia bastante cercana a nosotros. Se trata del Centro Penitenciario de Topas (Salamanca), donde desde hace ya bastante tiempo se están realizando algo conocido como Sesiones de Musicoterapia, donde a través de contacto personal con el resto de presos, y el movimiento de los músculos, pueden transmitir que sienten, y utilizar las seiones también como un elemento de relajación, y olvidarse por unos momentos de dónde están y por qué están ahí.

El contar ésto hoy de la música como una gran herramienta de ayuda para las personas viene por algo, y es que hoy me he enterado de la nueva ley que el gobierno quiere ponernos: la LOMCE, donde la educación musical así como la expresión artística posiblemente serían eliminadas de la educación básica, lo que me parece un verdadero destrozo para la educación, porque, como ya hemos podido ver con esta experiencia de la música en las cárceles, la música es necesaria en nuestras vidas, a través de la música podemos expresar lo que realmente sentimos, y lo mismo ocurre con el arte y la expresión artística, donde los niños verdaderamente pueden formar su creatividad e imaginación, y pueden entender los mensajes que les llegan a través de las imágenes...Sinceramente, no sé si está bien decirlo o no, pero no creo que esta nueva Ley Orgáncia para la Mejora de la Calidad Educativa sea de gran ayuda para mejorar la educación.

¿Belleza en el arte?

¿Qué es lo que consideramos bello y lo que no? ¿Quién impone los criterios para hablar de belleza ante una determinada obra artística o todo lo contrario? ¿Todos tenemos el mismo concepto de belleza?

 Es algo que siempre me he planteado cuando observaba algún cuadro o fotografía que quizás a todas las personas de mi alrededor les parecía bello y a mí no, ¿era yo la rara? Personalmente, he llegado a la conclusión de que el concepto de belleza ante la realidad del mundo, en este caso, centrándonos en el mundo artístico, depende de cada persona, de sus ideas, su pensamiento, sus emociones y sentimientos en el momento en que ven la obra, su formación, su cultura... Muchas son las cosas que pueden influir a la hora de determinar si algo es bello o no. 

Cuando se habla de belleza en el arte siempre se le ha solido atribuir tres ideas fundamentales: Armonía, Proporción y Ritmo. Pero, en mi opinión, no siempre se tienen que seguir estos tres términos para poder crear algo bello. ¿Por qué hay tantas diferencias en el concepto de belleza desde el arte primitivo hasta ahora? Es la sociedad la que impone los patrones de belleza, podemos ver ésto en los avances (o no avances) que se han ido dando en el mundo del arte conforme avanzábamos, hasta llegar a la situación actual, en el arte se ha querido reflejar todos estos grandes cambios que, sin darnos cuenta, se pueden observar en cualquier obra diferente a la época en la que estamos. 

Sinceramente, yo creo que por el simple hecho de crear algo, ese algo ya va a ser bello, y puede que, la originalidad sea un atributo de gran influencia para hablar de belleza en ese algo o no. Kant definía la originalidad como "esa capacidad de crear un objeto, sin costumbre, sin hábito y sin ley, puesto que surge del origen primero de la persona", por ello creo que algo original sería algo bello, el poder sacar lo que tenemos en nuestro interior para hacer nuestra obra propia. Os muestro algunas imágenes sobre un mismo tema: "el beso", para que veáis como cada imagen es diferente, pero a la vez, son igual de bellas.

Recomiendo que se vea este vídeo del programa REDES de Punset,  donde dan una explicación de qué es eso de la belleza, y que os puede ayudar (al menos a mí me ayudó) a comprender algo mejor porque tenemos este concepto de belleza actualmente y no otro 

Billy Elliot

No sé si habréis oído hablar de esta gran película, pero, realmente, creo que merece que le dedique una breve entrada. Hace mucho, me dijeron que todo educador o futuro educador debería de ver esta película, pero por falta de tiempo no he podido hacerlo, así que el otro día saque un poco de tiempo de debajo de las piedras, y conseguí ver esta maravillosa película que, de verdad, a mí me sorprendió muchísimo, para nada era lo que yo me imaginaba. 

Os muestro una breve sinopsis que he encontrado navegando por Internet (http://www.venalcine.com/sinopsis114.htm), para que os hagáis una idea de lo que os podéis encontrar al ver la película:  

"En 1984, durante una huelga de mineros en el condado de Durham (Reino Unido), los enfrentamientos entre piquetes y policía están a la orden del día. Entre los que protestan con más vehemencia se encuentran Tony y su padre. Este último se ha empeñado en que otro hijo suyo más pequeño, Billy, reciba clases de boxeo. El chico tiene un buen juego de piernas, pero carece por completo de pegada. Un día, en el gimnasio, Billy se fija en una clase de danza que está impartiendo la señora Wilkinson, una mujer de carácter severo. Invitado a participar por la hija de la profesora, Billy se interesa por esta actividad. Cuando su padre se entera de que practica una disciplina tan poco viril, le obliga a abandonar las clases. Pero, la señora Wilkinson, que ha visto en el muchacho un talento innato para el ballet, se ofrece a darle clases gratuitas para que se prepare para las audiciones que realizará en la ciudad la Royal Ballet School". 

Puedes extraer muchísimas conclusiones y mensajes de esta película, como por ejemplo, el hecho de luchar por lo que uno quiere, el no dejar que nadie te diga lo que debes de hacer, no juzgar a las personas sin conocerlas, etc. Está claro, y doy la razón a aquellas personas que me dijeron que todo maestro debe de ver esta película, y del mismo modo, es igual de útil para emplearla con los alumnos en clase a la hora de transmitir alguna de las ideas que he comentado antes. Para mí, creo que en esta película, lo que se ha querido recalcar es la idea de luchar por nuestros sueños, seguir intentado poder llegar a aquello que siempre hemos deseado...; Billy Elliot es un claro ejemplo de que todo esto realmente se puede conseguir. 

La poesía visual

Después de haber hablado de la retórica visual, me gustaría hablaros ahora de la poesía visual, como ya os dije. ¿Qué es eso de la poesía visual? ¿Qué se nos viene a la cabea cuando escuchamos el término "poesía visual? A mí, personalmente, al hacer o escuchar alguna referencia a la poesía visual, pienso en la idea de crear poesía a través de las imágenes, y es que, más o menos, la poesía visual es eso. En la página web http://www.poesiavisual.com.ar/, dedicada a todo lo referente con lo poesía visual ( y la cual os recomiendo que entréis a hacerle alguna visita, y veáis noticias sobre poesía visual que se van dando hoy), se define la poesía visual como "una forma de poesía experimental en la que la imagen, el elemento plástico, en todas sus facetas, técnicas y soportes, predomina sobre el resto de los componentes". Se trata de un género donde van a primar los aspectos gráficos, incorporando, por lo tano, imágenes u otros elementos visuales ( a veces junto con signos lingüísticos, pero la mayoría de las veces sin ellos).

Entre los muchos poetas existentes que se dedican a este género de la poesía con el mundo visual, me gustaría destacaros, principalmente, a Joan Brossa y Chema Madoz. 
En primer lugar, voy a mostraros brevemente la obra de Joan Brossa. Se trata de un poeta español, que comenzó escribiendo poesía en verso en lengua catalana, centrándose posteriormente en la poesía visual, y acabando por ser uno de los referentes más importantes en el mundo en cuanto a todo lo que respecta a la poesía visual. Para mi gusto y opinión, tenemos que admitir que las obras de Juan Brossa están cargadas de un gran surrealismo, donde los objetos cotidianos cobran un sentido totalmente distinto a su uso habitual. Os dejo alguna de sus obras para que vosotros mismos comprobéis lo que digo. 

Os voy a mostrar ahora a otro gran "poeta visual" también de muchísima importancia; me refiero a Chema Madoz, poeta madrileño, fotógrafo excepcional, con una gran dedicación a la creación de poesía visual. Luis Arenas en la misma página web de Chema Madoz (http://www.chemamadoz.com) escribió: "Madoz viene poniéndonos en contacto con esos otros mundos posibles que nos rodean, un universo de objetos tan familiares como desconocidos, tan próximos como irreductiblemente extraños". Por lo tanto, del mismo modo que Joan Brossa, Chema Madoz crea unas obras caracterizadas por un gran surrealismo, obtenido mediante la utilización de objetos cotidianos, pero de una forma difereten a su uso habitual.

Cabe decir que la poesía visual es una salida que está teniendo mucho éxito ultimamente, y no me extraña, porque es algo que, además de añadir innovación al mundo de la poesía y el arte, transmite una gran cantidad de sensaciones y emociones que, sin darte cuenta, en un segundo, estás dentro del mundo que el poeta ha querido que conocieses a través de sus obras. Por otro lado, podría darle un pequeño punto negativo a este tipo de "poesía",que no tiene la menor importancia, pero que creo que se debe comentar, y es el hecho de que la poesía visual incorpora un gran grado de subjetividad, al ser (la mayor parte de las veces) un lenguaje no verbal; puede que sea un tipo de comunicación más directa, podríamos decir, pero, sin embargo, debido a ese grado de subjetividad, muchas veces puede ser que no nos llegue el mensaje que realmente el autor ha querido hacernos llegar, interpretandolo cada lector de una manera diferente, según la personalidad e imaginación de cada uno, cosa que también podría ser buena, ver como a cada uno de nosotros una imagen puede provocarnos unas sensaciones y emociones muy distintas. Centrándonos un poco en la educación, como futura maestra, creo que sería una gran idea incluir la poesía visual como contenido en la educación primaria, para que los niños aprendieran a expresarse no solo a través del lenguaje verbal, sino a través de imágenes, colocando diferentes materiales...de tal forma, que pudiesen conocer distintas posibilidades de comunicación, y fueran capaces de transmitir al resto de las personas cuáles son sus pensamientos y sentimientos en cada momento, a través del uso de elementos visuales. 

Para finalizar, os voy a dejar algunos vídeos relacionados con la poesía visual, sobretodo con estos dos grandes artistas de los que hemos hablado, y así podáis contemplar y analizar algunas otras obras suyas, ¿seríais capaces de ver qué es lo que el poeta os quiere transmitir con cada obra? ¿qué nos quiere decir? 

 

¿Qué es eso de la retórica visual?

Hoy me gustaría hablaros del concepto de "retórica visual". En alguna de mis entradas anteriores, he venido ya hablando del lenguaje de la imagen, de la importancia que tiene saber analizar una determinada imagen, de la evolución que ha vivido el lenguaje visual, etc., pero nunca había oído hablar sobre eso de la retórica visual, ¿qué es la retórica visual? ¿a qué nos referimos cuando hablamos de retórica visual? Pues bien, para situarnos un poco, el otro día os mostré brevemente los elementos morfológicos que podían constituir una imagen (¿os acordáis?: punto, línea, forma, textura, color...), pero, una imagen también está compuesta, normalmente, por unos elementos conocidos como temporales o dinámicos, que serían: la iluminación, la composición, la retórica visual, la armonía y el contraste, el equilibrio y la tensión, y el ritmo. En este caso, por lo tanto, vamos a centrarnos en la retórica visual.

La retórica, según nuestros apuntes de clase, se puede definir como "el arte de utilizar el habla para persuadir, influir o agradar", así que la retórica visual podría ser algo así como el arte de persuadir a través del uso de imágenes; la retórica visual trata cualquier manifestación visual como si fuera un acto deliberativo de comunicación. Para poder persuadir al receptor de la imagen, al "lector" de una imagen concreta, el emisor va a utilizar una serie de estrategias, es decir, lo que llamamos recursos retóricos (los recursos retóricos no solo se ven en un texto literario, sino también en el mundo de la imagen) como elementos de refuerzo de la imagen y del mensaje que se quiere transmitir a través de ésta; se podría decir que los recursos retóricos ayudan a la imagen a provocar sensaciones, dando un sentido a dicha imagen, además de subrayar los elementos de la realidad que se intentan representar, dando lugar a grandes impresiones en el lector de esa imagen. A continuación, me gustaría mostraros, con algún ejemplo, varias de las principales figuras retóricas visuales conocidas.

Comenzando con la figura de adjunción, la cual se puede decir que consiste, prácticamente, en la repetición de elementos, ayudan a dar más fuerza a la información que se quiere transmitir a través de esa comunicación visual.  

Después, podemos hablar de la figura de supresión, consistente en la eliminación de elementos, es decir se suprime algún elemento de la imagen, dándolo a entender en lo se explica o se muestra.

Continuamos con la figura de sustitución, que, como su nombre claramente indica, consiste en sustituir elementos, es decir, se suprime un elemento para cambiarlo por otro. 

Y, por último, cabe mencionar la figura de intercambio, que, como hemos visto en clase, consiste en "efectuar dos situaciones recíprocas en las que se permutan dos elementos de la proposición". Podemos ver esta figura utilizándose para resaltar detalles de una imagen, que, de alguna manera, podrían pasar desapercibidos sino fuera por el uso de esta figura retórica visual. 

Por otro lado, quiero comentar que esta entrada,simplemente, he querido que sirva como una pequeña introducción al mundo de la retórica visual; en entradas posteriores espero poder hablar algo más sobre este tema, sobretodo de la poesía visual, un poco de Chema Madoz y Juan Brossa, del cual he podido conocer alguna de sus "obras poético visuales", y son increíbles, creo que, de verdad, merecen que todo el mundo las conozca, o por lo menos echen un vistazo, para conocer otras formas de poesía, darse cuenta de que la poesía no es solo versos escritos sobre papel. A mi parecer, creo que todo ésto de los elementos de una imagen, en este caso, la retórica visual, son una ayuda y/o herramienta para aprender a analizar una determinada imagen, y evitar que nos engañen y nos transmitan mensajes indirectos sin darnos cuenta (como pudimos ver cuando comentábamos los "terrores visuales" existentes en nuestra sociedad actual).

Para finalizar, os dejo un vídeo a modo de resumen de todo lo relacionado con la retórica visual, espero que os aclare algunas de las dudas que tengáis sobre todo este mundo.